心理学研究发现，人们在照镜子时大脑会自动进行脑补，所以镜子中的你大概比真实长相好看30%。也就是说，实际上你真实的长相比你自我感觉上的你要丑30％左右。专家表示，这就是为什么很多人照相时感觉不像的原因。那么,因没有照相机而通过镜子画自画像的艺术家们，你们的自画像...嘻嘻~可能真的只是你们想太多…
丢勒在二十二岁画的这张自画像
丢勒是西方绘画史上最早以写实方式记录自己容貌的画家，丢勒在二十二岁画的这张自画像上题着：“一切事物都好像是上天安排好似的”，这是信仰的表白，也是甘心从事绘画工作的表白。在这幅画上画了一束蓝色的刺蓟花，象征着夫妻之间忠实的情感，可以推测这幅自画像可能是为他的未婚妻阿格内斯弗兰德而作的。
在这幅肖像画中，丢勒将自己描绘成一位成熟的、刚毅的男孩;但是，在这种成熟和严肃的表情下，带着感性的色彩，也蕴藏着某种甜蜜的情怀，而这一切都由花表现出来。他的服饰流露出喜爱自由的率性，皮肤的色调生动活泼，丢勒把自己的皮肤画得略显红色，金黄色的长发披在肩上，这一切在衬衣的红边和冷色调的绿色衣服的衬托之下，显得格外的突出。丢勒精确的绘画手法，使轮廓像刀切的一样清晰，他的眼神流露出艺术家任性的神韵。
伦勃朗自画像
伦勃朗·马尔曼松·里因，荷兰17世纪的一位现实主义绘画巨匠。伦勃朗是以妻子为模特儿绘制出不朽之作的一位画家。不过，不能与鲁本斯显赫豪华的一生相比，伦勃朗只能说是半生富足，半生潦倒。
在伦勃朗的全部肖像画中，自画像要占很重要的地位，其数量之多在历史上所有油画家中，几乎找不到第二个。就现藏世界各地博物馆的他的自画像看，据不完全统计也有90幅左右，其中60幅是油画，20幅是铜版画，10幅是素描自画像。按其后来的遭遇以及他变卖家产等情况看，很可能还有散失在私人手里的自画像作品。有一位理论家计算过，他每年平均画两幅自画像，那么，总数要在百来幅以上。
他的自画像不仅数量多，艺术质量也随着年龄的增长而提高。尤其在他的后半生，现实生活的磨砺使他能更深刻地认识自己。在60年代前后，他的自画像有鲜明的个性表现了。画家很注意脸部的内在气质，观者可以从中发现一种潜在内心语言。这一幅《自画像》作于1660年间，也是画家丧妻以后，家产变卖并被迁到罗桑夫拉哈特居住时期完成的一幅杰作。
54岁的伦勃朗，左手握着调色板与画笔，右手叉在腰间，一副不修边幅的样子，露出他的贫穷与寒酸。胖胖的身材，缠着头巾，只有一对眼睛还在炯炯有神，他好象在思考着什么，脸上没有一丝笑容，冷冷地伫立在画架前。背景被淡化了，突出了画家的上半身，象一座塔一样巍然不动，在他身上只有艺术的生命永恒地维系着他。 他的自画像一般不注年份，如若把他的全部自画像排列起来，可以看出，在34岁以前，他的自画像充满着信念，具有顽强与坚毅的性格。在这一幅自画像上，画家只用简约、阔大的笔触去雕琢他的内心情感，表情的严肃，正是他忍受着日益加剧的生活重压的外在反映。
席勒是西洋绘画历史上自丢勒和伦勃朗之后画自画像最多的画家，有一百多幅。但他的画面上既没有丢勒自画像的庄严和威仪，更缺乏伦勃朗自画像的深邃和个人尊严。在席勒的自画像中，主人以各种神经质，癫狂，变态，病态的姿势和动作坦然地表现内心世界，画家毫不顾忌当时社会的道德规范和约束，毫无拘束、不加思索 地闯入伦理的禁区，仿佛精神不仅已经涣散，而且根本就已经到了难以挽回的地步，画家毫不犹豫地承认这一状态，并将其夸张地表现出来，用充满节奏的线条，简约的色彩，把握准确且充满韵律的结构。因为人物没有思想的表现，画面就成了灵魂的直接创作，灵魂感知感觉后的行为。
德拉克罗瓦《穿苏格兰背心的自画像》
欧仁·德拉克罗瓦（Eugène Delacroix，1798—1863），法国着名画家，浪漫主义画派的典型代表。他继承和发展了文艺复兴以来欧洲各艺术流派，包括威尼斯画派、荷兰画派、P.P.鲁本斯和J.康斯特布尔等艺术家的成就和传统，并影响了以后的艺术家，特别是印象主义画家。
我们从他在1835～1837年间完成的这一幅《自画像》上也可看出，一个已经迈入三十七八岁的中年男子，他的艺术追求这时正处于最旺盛时期。七月革命促使他离开了对历史与传说的迷恋，他重新为自己提出了描绘眼前真实可见的事物。说这是德拉克洛瓦的艺术的重要转折点，可以拿这幅肖像的色彩来证明，即它是沉着的、从观察中得来的，从整体上说，它没有出现任何不协和音。
这幅肖像虽然不大，可是它是在他当时正忙于一系列创作：表现激烈而残酷的战斗场面（如1830年的《奔德战役》、1831年的《南锡战役》、1837年的《塔堡战役》）的间隙中绘成的。这里也仍然有他惯用的深红、淡紫、棕绿等暖色调，但画家赋予这些色调以真切感，表现了一个他最熟悉的形象所具有的沉静与冷峻，没有丝毫装饰性色调。这又似乎在告诉观者，他不想只当一个浪漫主义者，他还应重新找到通往古典风格"康庄大道"去（借用一位评论家对他的评论）。
《自画像》1875 保罗·塞尚 法国 油画 64×53cm 奥赛博物馆
“色彩丰富到一定程度，形也就成了。”塞尚在他讲到他的画时，经常重复这句话。
以上是塞尚46岁时的自画像。此时塞尚结婚不久，塞尚常常为夫人画像，塞尚的自画像倒是少见。塞尚的画具有鲜明的特色。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图象。
《弗兰西斯·培根自画像》
肖像画是培根创作的根本，对培根来说，肖像画既不同于抽象艺术，也区别于模仿、类比、描写的艺术。在他看来，抽象艺术脱离不了装饰的蹩脚作用，而模仿、类比、描写艺术则被斥为插图。肖像画是培根“直接与神经系统对话”的方式，是培养直觉和对非理性的理解的路途。纵观培根的肖像画作品，可以看到，这些画前后一脉相承：没有表情，没有心理活动，表现的不是心灵状态，而是实际存在的状态。即便是描绘自己最亲密熟悉的朋友乔治·戴尔、卢西安·弗洛伊德、伊莎贝尔·罗斯索恩等人时也是如此。孤独、苦恼及精神上的无依无靠构成了肖像画的坚固底色，就像共同命运的特征，而这，也正是培根生命的底色。
《和两个孩子在一起的映像(自画像)》
佛洛依德自画像
弗洛依德和培根的友谊一直为后人所称赞，提到培根笔者就会想到弗洛依德。比较两幅弗洛依德的自画像，《和两个孩子在一起的映像(自画像)》作于1965年，画面明显不同于早期的严密细腻，用笔松动，构图取仰视大角度，高大的画家本人与小小的小孩、巨大的灯盏形成怪诞的形式。在画面上，主体人物以及背景天花板上仍然保留了大面积平涂。《映像(自画像)》(Reflection “self portrait”)创作于1985年，在该幅画上，只保留画家的头像，用笔异常肯定，形体扎实，毫无拖泥带水之犹豫。背景干净，笔触简洁明了。画面笼罩着神来之光，画家刚毅、冷傲、敏锐的精神气质不可遏制地扑面而来，隐约还透露出温情。前者松动的空间氛围、戏谑的表演、道具的装置都很好地表达了画家的意图，后者则用最为直接的笔触坚实地构建出了人物内在的精神本质。
弗洛伊德在画面上创造了属于自己的光，那是通往精神实在的媒介。他炉火纯青地运用光来涤荡表层的虚像，真实地表达自己的生存感受和精神感悟。在艺术和生活中，他坚持本真的态度。尽管从20世纪90年代以来，弗洛伊德对于中国油画界影响巨大，但在面对中国艺术家时，他平淡如水地说自己对于中国的了解太少，根本没有资格可以对中国的艺术发表评论。他就是自己，绘画就是绘画，与其他均无关系。这也保证了他内心深处那道灵光的纯洁度，保证了他画面的能见度，保证了他目光的清澈度，保证了他能穿透世界的肌肤，感觉到精神的温度。
说到自画像不得不提到弗里达·卡罗，她大量的自画像的背后有着世人难以忍受的痛，1907年7月6日她出生在墨西哥城南部的科瑶坎（Coyoacan）街区，6岁时弗里达得了小儿麻痹，致使右腿萎缩。18岁那年她乘坐的公共汽车与一辆有轨电车相撞，此外，她的右脚脱臼，粉碎性骨折，肩膀也脱臼。虽然奇迹般地活了下来，但是终身不能生育，而且伤痛如影随形，有时不得不依靠酒精、麻醉品和卷烟来缓解肉体的疼痛。弗里达在苦痛中用绘画来转移注意力，父亲为她买了笔和纸，母亲在她的床头安了一面镜子，透过镜子她开始画自画像。
弗里达大部分的作品描述的都是她自己的故事，在这些作品里，弗里达经常把她自己画成穿着墨西哥的传统服饰，周围是她的宠物和她家乡许多葱翠的蔬菜。她的作品总是非常强烈，有时是写实的，有时是幻想的，表明她的艺术和生活是不可分的，即是奔放的悲剧性。
《割耳朵后的自画像》
1888年梵·高邀请高更来阿尔同住，起初他们相处愉快，但随着梵高病情反复，两个的艺术家却是不断的争吵。在一场剧烈争执后，高更大怒而去，梵·高无法阻止，亦无法抑制自己的激动，竟割下自己的左耳。世界把自己的癫狂最先传染给人类的画师——就像曾经给他的笔端注入魔力。我们惊讶地注视着梵·高扭曲的面孔、恐怖的眼神和颤抖的手势：他仿佛在代替整个人类受刑，成为痛苦的化身。想到这里，也就能理解梵·高作品中挣扎的线条与狂舞的色块：倾泄的颜料里调和着他的血，而画布，不过是他包扎伤口的绷带。这是一位生活在伤口里的大师，他习惯用伤口对世界发言。这是一个疼痛的收割者，他的镰刀最终收获了自己的耳朵。
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