大师作品介绍：
《男人头像》 毕加索 青铜 高度为8.625英寸（22.1厘米）1905年设计，1906-1939年Ambroise Vollard铸造
简介：
这件青铜雕像是毕加索与安布鲁瓦茨·沃拉德的重要合作作品。雕塑设计创作于毕加索青年时期，也是他刚刚进入“粉红时期”的重要作品之一。造型上，开始追求几何形棱角和简化结构，形成了一种古朴稚拙的风格，线条自然流畅，可以从中窥见他之后在立体主义时期对同类型非洲艺术的向往与追求的必然性。
安布鲁瓦茨·沃拉德（Ambroise Vollard）：二十世纪初最著名的法国当代艺术经销商、收藏家、出版商，对艺术品狂热的追求使之在当时闻名遐迩。沃拉德在精神和经济上支持了当时众多著名的艺术家，如塞尚、马约尔、雷诺阿、高更、梵高等，和毕加索更是保持着长期的合作关系，毕加索的第一个艺术展便是由他支持举办。1930年沃拉德委托毕加索设计了一系列之后被称为《沃拉德系列》的铜版画。
除了经济和艺术上的合作之外，二人更是生活中的挚友，毕加索也数次以沃拉德为模特进行绘画创作，最著名的一幅莫过于他于1909-1910年绘制的名为《安德鲁瓦兹绘像》的油画（现收藏于莫斯科普希金博物馆）。
《安德鲁瓦兹绘像》，创作于1909-1910年，现收藏于莫斯科普希金博物馆
在这件名为《男人头像》的雕塑中，我们或多或少可以看到安布鲁瓦茨·沃拉德的影子：“低垂的眼睛、粗野的轮廓、永远都是一副若有所思的表情”（来自于格特鲁德·施坦因的叙述。格特鲁德·施坦因：著名的美国女诗人兼作家，现代主义文学与现代艺术发展中的重要触媒，她在巴黎左岸的社交沙龙是诸多先锋艺术家、作家、诗人的聚集地，与毕加索和沃拉德同为挚友。1906年毕加索以她为模特，绘制了名为《施坦因肖像》的著名作品，这张画也是毕加索从“玫瑰时期”跃入了“立体主义时期”的代表作）。
《施坦因肖像》，1906年创作
《女青年》 毕加索 石膏 高度为3.75英寸（9.5厘米）1951年设计、制作
简介：
相比毕加索那些充满情欲的油画和素描作品，晚年的陶瓷艺术其实是最能完整体现出他那与自然并驾齐驱的娴熟造型能力，具有极高的审美价值。2011年4月，美国佳士得拍卖行带来了他亲手制作的150多件原始陶器，该批拍品中包括盘子、容器、釉面瓦罐等。
女性是毕加索一贯的主题。而这件石膏像可以看成毕加索对非洲原始瓷器陶片的致敬之作。该作品上，毕加索将他所擅长的女性元素进行了最为极致的节简。简单的轮廓形、圆形提孔、砖红色拓印痕迹、仿佛手指摁压出的指纹纹路，随心所欲的文字涂鸦和签名，这些简单元素随心所欲的运用，最后构成了这件充满了粗犷的原始气息的雕塑佳作。
毕加索不是制陶技师，但是泥土作为毕加索找到的新的创作材料，他把自己绘画中的精湛技巧巧妙运用到了对陶瓷的塑造和美化中，陶瓷变成了他刻画人物和形态世界的另一种载体。从毕加索绘制的盘盘罐罐中可以看到，这些作品的主题与其他绘画作品有许多相同之处，出现了农牧之神居住的场所、女性的面孔、斗牛和有趣的动物等等，而著名策展人杜兰女士认为，毕加索这种用艺术手段诠释日常生活的创作切换方式，对各国的当代艺术家们都产生了很深的影响。
《摸鱼的手》 毕加索 全釉磁盘画 口径32.3厘米 1953年
简介：
这是毕加索晚年的又一代表作。这个磁盘创作于毕加索的陶艺成熟时期，这是从1947年到1971年截止，毕加索在玛都拉创作的2000多件陶瓷作品之一。从这件作品我们可以看出老年毕加索性格里的童趣和纯真，天马行空的造型想象，人体、鱼，这些自然的题材，被赋予了简单的线条，坚固的体块以及地中海系配色，形成了灵动的平面组合，透露出自然温润的气息。
晚年的毕加索，更像个稚气未脱的孩子，年龄的增长并没能削弱他对艺术的好奇心，1946年夏天，65岁的他带着情人弗朗索瓦以及他们的两个孩子克劳德(Claude)和帕洛玛(Paloma)来到小镇瓦洛里斯度假，这是个美丽的、有着传统陶艺制作基地的海滨小镇。一次偶然的机会，朋友邀请他们去附近在手工艺市集小逛，毕加索随意地在小摊上捏了几个小件，还有幸认识了当地著名的玛都拉(Madoura)陶艺工坊的拥有者──乔治和苏珊夫妻，他们让毕加索随意使用其陶艺设备。
毕加索将零散的不系统的生活感悟，凝固于釉上，他又试图打破人们对陶瓷粘土的偏见，坚持认为自己所创造出来的陶艺产品应该被平价销售，要让普通民众都能用得起。于是这些原本只与水、火打交道的特殊泥巴，在毕加索的手中化腐朽为神奇，具有了全新的生命力。
毕加索的陶瓷获得了广泛的关注，他曾经制作了13个甜点盘，作为1949年送给美国传奇女演员Rita Hayworth 和穆斯林王子Aly Kahn的结婚礼物。
http://collection.sina.com.cn/hwdt/20110630/144930755.shtml
《戴绿帽子的女人》毕加索 布面油画 长60厘米 宽73厘米 1947年
简介：
该画作绘制于毕加索晚年，从中依然可以看到我们所熟悉的毕加索立体主义时期的经典构成元素：经过巧妙解构的女人形象，强烈的色彩让人过目不忘。画中女子酷似毕加索的第六位情人方斯华姿·吉诺，毕加索以他如刀刃般敏锐果断的笔触，绘画出了这位毕加索情人中被公认的最聪慧的女性形象。
与毕加索的前几位情人相比，方斯华姿极为聪明，还曾读过法律。方斯华姿全身心投入与毕加索的生活时，却越来越清晰地感受到毕加索“从未了解过她”，毕加索的爱只是占有，于是选择了离开。随后的1964年，方斯华姿出版了《与毕加索一起生活》一书，披露了毕加索不为人知的另一面，这让毕加索极为恼火，他再三上诉，要求查禁，还纠集了40多名文艺界知名人士签署了一份宣言。然而毕加索最终败诉。
在二维平面上表现三维空间，在这个新创造出的绘画空间里，从绘画模特中抽离出最简单的形式，让画面上出现的是符号般的造型，经由视觉慢慢被组合成一个全新的形象，这便是立体主义画家们极致追求的艺术效果。而大众在欣赏毕加索的一系列立体主义画作时，往往很容易忽略毕加索在色彩上的把握——如同《格尔尼卡》那大片的黑白灰，衬托出西班牙小镇在经历过德国纳粹轰炸后的悲惨肃穆；又如同《亚维农少女》中大片的肉色和砖红色烘托出的少女年轻躯体所象征的情欲氛围，《戴绿帽子的女人》中绿色帽子和衣服与女人深色的头发、黄色的背景，这些明快、饱满而又简单的色泽，更加烘托出女人灰色的面部以及巧妙的分面切割。在营造出强烈的艺术效果的同时，同样富于装饰意味。
《吉他和半身像》毕加索 铅笔和钢笔，纸面画 长4.375英寸（11厘米）宽5.625英寸（14.3厘米）大约创作于1925年2月28日
简介：
该习作小品创作于1925年，画面中，虽然是寥寥数笔，但是在画家随心所欲的发挥之下，立体主义的丰富层次感跃然纸上。
经历了战争年代的古典主义之后，1924年，毕加索重拾对立体主义的强烈兴趣。1925年，正是毕加索在布列塔尼半岛绘制一系列新型立体主义风格的静物作品时期——清澈的光线进入整个画面、呈现某种纹路般的律动感，和被渗滤出来的线条式的透明感，犹如从百叶窗帘缝隙中透出的一道道光芒……我们有理由相信，这幅习作小品正是这组静物画中的构思草图之一。
相比较完全抽象、异形化了的人物形象，画面中唯一能够让人立刻分辨出的便是那个简化扭曲了的吉他，这不禁让人联想到在之后的1926年，45岁的毕加索以集合物手法创作的“吉他”系列。这一系列的作品里，物件看起来像是被切开、一层层歪歪斜斜地重叠在平面上，这种具有高密度拼贴画特征的作品，很像经过剪切、黏贴、组合而成的设计。这种全新的绘画风格不仅为毕加索开辟了一个全新的艺术空间，对后世的艺术家更有着深远的影响。在意大利当代艺术奠基人Aleberto Burri，甚至著名的波普艺术家利希滕斯坦的作品中，都能觅得向该风格致敬的痕迹。
而这幅简单的分割画草图，极有可能是这一系列伟大的艺术道路的起点。
《吉他》 1926年
《瓶子、吉他和管子》（Bottle,Guitar,and Pipe）1926年
《无题》 阿尔贝托·布里
利希滕斯坦画作展
《戴帽子男人的半身》毕加索 钢笔和墨水，纸面画 长15.5英寸（39.4厘米）宽19.75英寸（50.1厘米）大约在1972年5月31日创作
简介：
该人物小品画完成于毕加索逝世的前一年，毕加索晚年的作品里，无论是绘画还是雕塑创作，都能发现他略带诙谐的漫画式幽默感，仿佛显示着老年毕加索的那种乐观知天命的心态。
画面里，毕加索运用着随意轻松的笔触便准确地描绘出戴帽子的长者形态，但最引人注意的则是画面上大片的泼墨，让人联想到他晚年对中国泼墨山水画的喜爱与追求。
毕加索与中国画的情缘众所周知：在1956年6月毕加索与张大千那次著名的会面上，他的几段关于中国的谈话广为流传：一是毕加索对齐白石的赞赏,其二便是：谈到艺术，第一是你们的艺术，你们中国的艺术……我最不懂的，就是你们中国人为什么要跑到巴黎来学艺术？”其三则是：如果我生在中国，那么我很有可能不是一位画家，而是一位书法家。
多少年来，人们对于这次会谈的真伪性一直存有争议，而《戴帽子男人的半身》的面世，则是鲜明的铁证，打破了某些人的质疑——或许目前我们无法看到那些毕加索仿齐白石的画作，但是该幅画作上明显的东方式泼墨画法，却可以有力地证明毕加索这位西方绘画大师对中国绘画艺术的喜爱和在东西方绘画交流上无比重要的贡献。
《玫瑰花环》 雷诺阿 布面油画 长19.7/19.8英寸（约50.5厘米） 宽24英寸（约61厘米） 约画于1858年
简介：
这是存世罕见雷诺阿早期画作，约画于1858年。雷诺阿生于法国著名的瓷器小城利摩日（Limoges），少年时期便被送入当地瓷器厂学艺，负责为瓷器上描绘花朵，这项工作使他对绘画产生了浓厚的兴趣。而这幅画，正是完成于这个重要的艺术启蒙时期。
在这幅画作中，单纯的构图、简洁的花环造型可以看出在瓷器上特有的装饰趣味。简单背景衬托着颜色艳丽的花环，在鲜亮而和谐的色彩调配中，雷诺阿具有代表性的印象派丰富色彩感可见端倪。
作为印象派画家，绘画功底扎实的雷诺阿尤为擅长用色彩构建造型。在他这幅早期成名作中，娇嫩的花瓣、纤薄的枝叶，如此鲜明的光影和质感均通过艳丽的色彩构建而成，静谧而甜美。
《静物》 雷诺阿 布面油画 长37厘米 宽28厘米 约画于1890年
简介：
该画作完成于1890年，此时雷诺阿已称得上成功的画家。安享家庭欢乐气氛的雷诺瓦画出了许多迷人的亲情小品，该幅《静物》便是其中之一。在这幅画中，我们能够找到雷诺阿艺术生涯后期的艺术风格：比起早期鲜亮的色彩，画面感更加含蓄有深度，而他代表性的细腻笔触则并未改变。背景天蓝色和黄色的桌面仿佛学生习作般，形成单纯明快的对比，几个静物水果和桌布的结构既有他的老师居斯塔夫·库尔贝的严谨结构，也具备他自己特有的甜美、明丽的艺术特色。
《卡涅的阳台》 雷诺阿 布面油画 长28.4厘米 宽35厘米 约画于1868年(暂不发布)
简介：
信息存疑。根据现有信息查找，1868年雷诺阿长居巴黎，雷诺阿搬迁至普罗旺斯的海滨卡涅是在1907年。
该画作应完成于雷诺阿晚年。1894年，雷诺阿患上了风湿性关键炎，此后身体每况愈下。1903年，雷诺阿迁居至法国南部的普罗旺斯的滨海卡涅（Cagnes-sur-Mer）疗养，直至78岁逝世。
晚年的雷诺阿饱受病痛折磨，70岁时已经半身不遂，无法行走，只好坐上了轮椅。就是这样老病缠身的雷诺阿，内心依然充满那样旺盛的创作力。他将画笔绑在手臂上作画，绘制了大量的作品，包括《音乐会》、《浴女》等名作。
同样是女孩和阳台为主题，该画与《两姐妹》以及他的其他代表作不同，失去了他早年师从居斯塔夫·库尔贝的严谨细腻的笔触，这可以理解为因为画家的衰老和病痛所致，可是我们依然能够看到雷诺阿标志性的明艳色彩，湛蓝的天空和旺盛的植被，让人仿佛能够感受到卡涅这座位于普罗旺斯的滨海小城的充沛阳光和强烈的地中海气息，以及暮年的雷诺阿依然火热张扬的生命力。
《马戏团场景》 马克·夏加尔 布面油画 长41厘米 宽24厘米 1958年
简介：
该画作绘制于夏加尔晚年，马克·夏加尔出生在白俄罗斯的维捷布斯克（Vitebsk），这片地区是犹太人聚居地，从服饰、习俗到宗教信仰，一直保留着深厚的犹太文化传统。这也成为夏加尔一生的底色。他的代表画作始终有着梦一般的氛围，与达利继承佛洛依德潜意识学说般的激进梦境不同，夏加尔的梦少了那些可以设置的分析符号，意象朴素又温存。
马戏团是夏加尔的绘画代表题材之一，这源于他对自己故乡、家人、童年的怀念。35岁时，夏加尔写下了那本可爱的但并非完全属实的自传《我的一生》。他用很大篇幅回忆父亲的房子，谈他孩童时代在父母身边看到了什么，回忆俄国故乡小镇的牲畜，马戏团来镇上表演的时候又如何……他总是和现实保持着关系，即便梦境也如此。正是这些梦境般的表达，帮助他抹平现实和内心的距离。
这样独特的风格，从诞生之日起便是始终贯穿于夏加尔的艺术生涯里。在这幅夏加尔的暮年画作里，我们依然可以捕捉到那些熟悉的元素：鲜艳的色泽渲染出马戏团演出时的奇特光影，人与野兽在一个神秘的世界里和谐同在，稚拙的笔触有着孩童般的天真，营造出的艺术效果对于观者而言是那样奇妙而熟悉。
《拿扇子的男青年》 马克·夏加尔 墨水纸画 长11.25英寸（28.5厘米） 宽17.5英寸（44.5厘米） 1929-1930年
简介：
与同时代的其他画家不同，马克·夏加尔在音乐和文学方面同样具有极高的天赋。在他的大量速写中，同样可以感受到诗和音乐一般的轻盈笔触。该幅速写创作于夏加尔43岁之时，画中模特不详，但是画中男子随意的裸足坐姿，以及与他身后裸女间微妙的距离感，让人不免联想到画中模特依然是夏加尔自己和他的妻子蓓拉。
在夏加尔的浪漫狂想中，爱情同样是一个重大的主题，特别是他对蓓拉的爱情。夏加尔在他26岁就读于艺术院校时和22岁的蓓拉相遇了，从他们后来的记载来看，两个人一见钟情。此后，蓓拉就一直是夏加尔创作的灵感缪斯。1944年蓓拉突然离世，对中年的夏加尔造成了极大的心灵打击。在此之后，蓓拉的形象依旧频繁出现在夏加尔的画作里。甚至于夏加尔再婚后，蓓拉仍然持续着她的影响力。在夏加尔保存的蓓拉的笔记本中，接下来的20年里夏加尔在笔记本的空白处画满了蓓拉，关于他们两个人的故事，还有一些艺术家个人的自画像。
《朗香教堂的朝拜之旅》克劳德·莫奈 布面油画 长68厘米 宽52厘米
简介：
该画作创作年份不详，但可以确定是莫奈的早期作品。虽然在这幅画中我们看不到莫奈具有标志性、充满变幻的点画，但是他已经注意到从光与色的相互关系中发现前人从未发现的某种现象，从而去摸索、寻找最适表达光与色的明度差别变化的形式。在画面中，教堂屋顶反映着天空的色彩，通过丰富的色泽与笔触，茂盛的树林仿佛在阳光和微风中婆娑摇曳，虽然画面中空无一人，但还是能够感觉到强烈的生命力和自然生活气息。
莫奈的创作目的主要是探索表现大自然的方法，记录下瞬间的感觉印象和他所看到的充满生命力和运动的东西。莫奈曾长期探索光色与空气的表现效果，在不同的时间和光线下，对同一对象连续作多幅描绘，从自然的光色变幻中抒发瞬间的感受。但他不注重对象的明晰的立体的形状。莫奈很重视笔触，他运用不同的笔触充分表现色彩以符合自然的本来面貌。在他29岁时开始和雷诺阿共同在塞纳河上写生作画，他们为水面上闪烁和晃动不已的光所激动，为迅速变幻的丰富色彩所迷惑，于是自然而然产生了迅速疾驰粗犷的笔触和灿烂斑驳的色块。他们在迅疾挥毫中获得了捕捉瞬间即逝的印象的有效方法。
《巴黎艺术桥》 H·克劳德·毕沙罗 布面油画 长45.7厘米 宽65.1厘米
简介：
该画作创作年份不详，并且是毕沙罗绘制不多的城市题材的作品。在这幅画中，我们能够清晰地发现毕沙罗的鲜明特征——采用日本式模糊取景方法，以明亮的色彩和颤动的笔触表现当代风景。
这幅画作中，毕沙罗绘制的巴黎艺术桥是塞纳河上最为著名的桥梁之一，也是巴黎的第一座铁桥。1804年，为了连接法兰西学院和艺术展览馆（现在的卢浮宫），拿破仑一世下令兴建艺术桥（Ponte des Arts），专供行人通行。由于1918年、1944年世界大战期间的轰炸和多次撞船事故，上世纪八十年代桥体被重修，仅保持供行人使用的传统，并由原来的9拱桥变为现在的7拱桥。
在毕沙罗这幅《巴黎艺术桥》中，我们可以一窥原桥的迷人风貌。纤细的造型灵动优美，长期以来一直有灌木种植、并且设有供行人休憩的小凳，堪称塞纳河上的“空中艺术花园”。
画面中，虽然色彩感丰富，但是力量感依然充盈，这首先来自层次鲜明的构图，从位于画面前方的紫藤花盛开的艺术桥到之后的石桥，再到最后远方背景里的城堡，逐渐推进的层次感统一融合在冷暖和谐的背景中。
在印象派诸位大师中，莫奈是发起者，并且以自己的作品给这个画派命了名。但是，要说这个画派的真正领袖，那么，非毕沙罗莫属。他是惟一一个参加了印象派所有8次展览的画家，可谓最坚定的印象派艺术大师。尽管其他几位印象派大师的“社会知名度”比他大，但只有毕沙罗才可堪称印象派主义中的“中流砥柱”。
在当时印象派和传统的古典主义画派的激烈争锋中，毕沙罗静静地坚守着，他没有野心，当团体内部卷入争吵之中，他的坚定、安详、平和、谦逊、智慧与热诚，不仅为他赢得了尊敬，也使他成为这个团体的稳定因素和实际上的领袖。1879年莫奈向保守画派屈服，退出印象主义之后，是毕沙罗先后吸引了塞尚、高更、修拉、西涅克等参加联展。在毕沙罗去世前一年，远在塔希提岛的高更写道：“他是我的老师。”在他去世后三年，“现代绘画之父”塞尚在自己的展出作品目录中恭敬地签上“保罗·塞尚，毕沙罗的学生”。
《跪着的女农牧神》 奥古斯特·罗丹 青铜雕塑 高7英寸（不含底座） （17.8厘米）年份1910-1917
简介：
这是罕见的罗丹晚年作品，在这件体积不大的青铜雕塑上，所展现的不再是《青铜时代》、《地狱之门》、《加莱农民》、《巴尔扎克》这些众所周知的雄浑伟岸、气势磅礴，在青铜坚硬的质地下，呈现出来的则是一股具有生机的脉脉温情。与可以模糊的面部形成对比的，则是罗丹在躯体细节上的一丝不苟。跪着的女农牧神有着仿佛青春期少女般青涩细腻的线条，弯曲抱头的手臂呈现出舒展的姿态，仿佛女神经历寒冬之后在万物勃发的春天从睡梦中苏醒，这瞬间的动态被永恒地凝固在这件雕塑小品上，让我们得以看到大师温情的一面。
《河面》 马蒂斯 帆布油画 长15.25英寸（38.5厘米） 宽18.25英寸（46厘米）约绘于1920年
简介：
该幅画完成于马蒂斯51岁时，比起马蒂斯那些令人惊愕的色彩，梦幻的想象，这幅日常习作显得颇为中规中矩。甚至貌似还违背了他的艺术观：“美的色调不可能从照抄自然中得到，绘画中的色彩必须依靠思索、想象和梦幻才能获得。”而该幅习作则清晰显示出，即使叛逆如马蒂斯，也需要从自然中汲取养分，作为他随意施展想象的基础。
即便如此，马蒂斯并未像他所厌恶的那样“奴役的被迫解释自然”，他依然用粗犷的题材，用单纯的设色来代替透视，大范围的狂野的笔触，便在有限的画布上施展出了光与影、以及广阔的空间感。
《树下的两头牛》 高更 布面油画 长15.875英寸（35.2厘米） 宽10.75英寸（27。2厘米） 1884年
简介：
这是高更艺术生涯的早期作品。1873年高更开始学习绘画，并且收藏印象派画家的作品。在这个艺术启蒙时期，高更在毕沙罗的引领下进入了他的早期印象主义时期。在这个阶段，高更追求形式的简化和色彩的装饰效果，他的画作上有着印象派典型的细腻笔触和丰富的色彩，此时高更已经实验性地将笔触放松、变宽，赋予画面颤动的韵律特质，让人很容易联想起有相似风格的梵高——这似乎也是冥冥之中预示着1887年高更与梵高相识后一见如故的必然性。
《宫女》 让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 版画 长38.5厘米 宽26.2厘米 1825年
简介：
让·奥古斯特·多米尼克·安格尔不仅是一位新古典主义画家，同时还擅长于版画制作。如同他之前的多幅作品，这幅《宫女》，正是他将自己绘于1853年的著名的同名油画拓印成版。和油画相比，彩，但是版画特有的黑白线条感更加能凸显图中宫女的婀娜身材和曼妙体态。虽然在这幅作品中我们看不到安格尔那样自然柔和的色
在1824年时安格尔在巴黎开办了自己的学校，那些追求原始主义的年轻人都投向了他。追求直率而纯洁的原始风格，把宗教画当作心爱的题裁，对中世纪文艺复兴时代感兴趣，他认为使艺术健全的道路在于通过希腊人和拉斐尔·桑西（Raphael Santi，1483-1520）去研究自然，注重细节的刻画，主要是务求线条干净和造型平整，他强调纯洁而淡漠的美，这是与达维特的艺术观点相对立的。在对待古希腊的态度上，安格尔无疑投入了更多的感情和热情。
《独眼巨人》 亨利·摩尔 青铜 高21.3厘米 （含底座） 1963年
简介：
亨利·摩尔（Moore·H）是英国雕塑家，1898年生于约克郡的卡斯尔赛。他的作品为时代创造了一种新的雕塑语言。那是一种与环境对话的语言，一种充满人性的现代语言。
这是亨利·摩尔在风格成熟时期的典型作品。摩尔作品的最大特点是斜倚的人物造型、通常都包含孔洞或主体被穿透。而其起伏的曲线外形，被很多人认为是摩尔受到他的出生地约克郡起伏的山丘地形的启发。摩尔早期作品上的空洞通常采用比较传统的形式，如弯曲的手臂状与主体相连。后来，逐渐演变成为主体躯干上的空洞，因此造成主体凹凸或弯曲的外形。同时期的芭芭拉·赫普沃斯的作品也发展了类似的风格, 她最初也是受到摩尔作品的影响。
摩尔的雕塑讲究雄浑有力，擅于把有意识挖空的“洞”设计在作品中，增加了三度空间感。他力求达到增加空间感的目的，使欣赏者在对雕塑进行不同视点的观赏时，感受雕塑形体和背景的不同变化，从而产生美的意境。摩尔在创作时，常常利用各种方式引发自己的潜意识，然后对意识进行控制和整理，达到意念明确。他的意图是作品要带点朦胧感和深远意味，让人们去看去想，而不要立刻“和盘托出”。一切艺术都应具有更多的神秘感和意蕴，给观众留下一些想象、回味的余地。为了更好地达到这一效果，他首创了被腐蚀了的造型效果。正如同这个《独眼巨人》雕塑，头部的一个洞似眼非眼，头部造型奇特，似人非人。可以看出公元前13新世纪慢性基尼的泥桶造型的影响。摩尔是把人、兽、神三种因素综合成一体。
亨利摩尔以独特的雕塑语言和创新精神，给雕塑艺术注入了现代气息，掀开了雕塑史上新的一页。
《女士》 埃德加·德加 青铜（1956年以后浇铸，编号13/20）
简介：
以绘画芭蕾舞女演员而著名的埃德加·德加，同时也是一位杰出的雕塑家。他的雕塑被公认为现代艺术的一个强烈符号。德加去世后，在他的画室里发现许多为其油画和粉笔画准备模特的铸模，这些铸模主要以马、舞女和化妆品模特为题材，用这些模子浇筑的铜像数量极其有限。这件《女士》雕塑，便是这些罕见的青铜雕像之一。
在艺术的初始阶段，德加师从古典主义大师安格尔，学到一手让奥古斯特·多米尼克·安格尔(Jean-Suguste Dominique Ingres,1780-1867)画派好手法，当时的德加认为这种线条是高雅风格的保证和达到他所倾慕的那种美的唯一方法。但是很快，德加锐敏的理智使他觉察到一股新的艺术气流，那就是“现实主义”。但这种理论主张放弃古希腊的美的理想，而代之以朴实、真挚地表现所见的事物，既接近美的理想而又不脱离现实。
在这种艺术思维的指导下，这件雕塑如同德加笔下的舞蹈演员们，并没有安格尔的古典主义推崇的古希腊雕像美，反而世俗气息浓厚。这件雕塑的模特头戴宽檐帽、手持拎包、当时流行的束身胸衣紧紧地箍在她身上，鼎显出进入中年的女人才有的宽大臃肿的臀部——整个造型直白地展现了女人从青年到中年、韶华渐逝的岁月转变。但是、她的姿态神情一如德加另一件经典代表雕像《小舞女》一样傲慢、无所畏惧，正是德加所擅长从模特的举止中准确无误地抓住主要的韵律，使平庸无奇的姿势迸发出艺术的光芒。
德加一生勤奋作画，他在几乎失明而不能画画时，仍摸索着做雕塑，以印象派的方法塑造各种动态的人和马。只有去过德加画室的人才能看到他工作的另一面：他为那些著名画作而制作的粘土雕塑或是蜡像。许多见过这些雕像的人都为之啧啧称叹，画家雷诺阿甚至认为德加是当代最伟大的雕塑家。但德加自己比较谦虚，他在接受采访时说：“我做动物或人体蜡像只是为了让自己满意。我做这些并不是在占用画画的时间，而是为了让我的画更生动、更强烈、更有生命。这些雕像只是一种练习、一种纪实的初步构思，仅此而已。”
《十颗五角星》 萨尔瓦多·达利 集锦照片上水粉钢笔画 长12.125英寸（31厘米） 宽9.5英寸（24厘米） 年份？(集锦照片上水粉钢笔画)
简介：
这幅是达利的晚年画作，位于画面中央的几位古典风格少女很容易让人大吃一惊，不敢相信这会出自以继承了佛洛依德潜意识学说，描绘疯狂的梦境著称的超现实主义大师达利之手。事实上，在20世纪30年代末，在文艺复兴画家拉斐尔的影响下，达利的绘画转趋比较古典的风格，并因此而被超现实派开除。此后，他花费大量时间设计舞台布景、时髦商店内部装饰以及珠宝饰物。在1950～1970年间他有许多宗教题材的绘画作品，但仍探索性爱主题，描绘童年记忆，并且让妻子加拉成为这些题材的中心形象。
在这幅画作中，15颗色泽鲜艳的五角星和围绕画面的涂鸦式笔触，依然能够看出达利的超现实主义风格。五角星的排列和意义不明的字母有着图腾般的强烈装饰效果，和图案中央的少女群像形成了鲜明对比。
《夜幕中迁徙的燕子》 劳尔·杜菲 纸上水粉画 长19.75英寸（47.5厘米），宽15.3英寸（39厘米）1982年（暂不发布）
简介：
作画时间1982年存疑。劳尔·杜菲于1953年去世
该幅画作疑似劳尔·杜菲的晚年作品。劳尔·杜飞（RaoulDufy,1877年6月4日－1953年3月23日）是一位法国画家。早期作品先后受印象派和立体派影响，终以野兽派的作品著名。其作品色彩艳丽，装饰性强，都为人们开拓了一个现代风景与人物画的新视野。他的作品除了绘画，还在挂毯、壁画、纺织品和陶瓷设计中被广泛采用。
在这幅画中，没有劳尔·杜菲标志性的明快色泽，但是依然流露出优雅而又敏捷灵动的气质，黑色底色上蓝色的燕子与暗色的云彩，有着强烈的日本装饰画风格，笔触活泼，处处可见爽朗轻快、典雅规律的风格。
劳尔·杜菲创立了“色彩-光线理论”：他认为,色彩的明暗度在光线下是相同的，胜过色彩本身；色彩捕捉住光线，是属于整体性的。每一个主体或每一组主体，都有自己的光线，他们接受相同的反射及艺术家的决定安排，以色彩来创造出光线，而非反之。艺术家可以给任何物体任何颜色，但却不能创造光源。因此他反对摹写大自然，有重组景物的观念。
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