至广大，尽精微——日本当代摄影家杉本博司（之一）

在日本的众多当代摄影家中，杉本博司的作品尤其别具一格，他并不像大多数摄影家那样关注广泛的题材，而是以极其严谨的态度将自己的创作实践始终遵循在既定的轨道上。具体而言，在他的全部拍摄历程中，只将镜头聚焦在三个先后开始、并持续至今的系列上，即博物馆系列、老式影剧院系列和海景系列。作品以无懈可击的黑白语言和钻石般鲜明锐利的影像将摄影的魅力生动地展现出来，从而使他在国际当代摄影界稳居重要的一席之地。

杉本博司于1970年从日本立教大学经济系毕业后，即移居美国洛杉矶。尽管当时所学的专业与艺术毫不沾边，但他却一直对东方及日本的传统美术抱有极大兴趣，长年来进行了广泛的收集和研究。尤其是到了美国之后，在西方文化的背景下，他对东方古典艺术精神有了新的体悟。后来他进入著名学府——艺术中心设计学院学习设计，在此期间他开始研究摄影并逐步使其成为自己艺术创作的主要手段。在他的早期作品中就可以看出他对东方绘画中的空白处理和单纯化的形式语言的心领神会。1974年他毕业后定居纽约，身处国际现代艺术中心，杉本博司逐渐找到了自己艺术的定位——以传统语言表述现代观念。

最初使杉本博司在国际艺术界为人所知的是他从1970年代中期开始拍摄的《纽约自然博物馆系列》。他使用8х10英寸的大型相机，不可思议地生动表现了远古时代动植物的生息状态，混沌未开的苍茫原野在他的镜头里传达出震撼人心的力量，令人真切地感受到没有语言的悠远时代的传说般场面。显然，杉本博司在这里追求的远不是这些模型的简单再现，而是致力于对摄影语言的开掘。

《纽约自然博物馆》系列之一     1976年 

如果说他拍摄的那些自然标本所捕捉到的是静止的瞬间的话，那么他后来的《老影剧院系列》则是流动的时间。从1970年代后期开始，杉本博司遍寻美国各地遗留的20世纪初期的老式影剧院，在放映电影时，始终保持相机快门的开起状态，对着银幕拍摄，使之成为一块纯粹的白色发光体。杉本博司通过银幕这一载体将时间的流逝形象化了，他将这称为“被曝光的时间”。画面中耀眼的白光产生出一种神话般的辉映，老式影剧院内部的各种豪华装饰在它的映照下，如同凄美的废墟一般具有历史感。古希腊风格、古埃及风格以及中国和西欧风格的纹饰、立柱、壁画等等，在若隐若现之中产生出一种仪式般的神圣和肃穆，和他的拍摄行为一同积淀在画面上的文化和历史的因素更凸现了时间的概念。

《纽约的老式影剧院》系列之一    1978年

杉本博司从1980年代开始拍摄《海景系列》，为此他的足迹遍及世界各地。与以往风格不同的是，作品的构图极为简练，水平线一反构图规则地居画面中央，将天空和大海一分为二，除此之外再没有任何其它任何多余的景物，唯一能让观者辨别每幅作品不同的只有他所提供的类似文书档案的标题。但在天空和大海的单纯组合之中，却充溢着我们平常感受不到的、有着深厚意味的气氛。在同样构图的不断重复中，杉本博司捕捉住了波纹的形状、水色的浓淡、以及天空大气的极细微的变化，作品着力表现的是空气的密度、海水的组成和光的作用，产生出一种令人目眩的力量。随着对自然界中似乎不受时间侵蚀的天光水色的还原，杉本博司的海景具有了超越常规时间和地理概念的、可以被称之为“永恒”的意义。

《意大利中部的蒂勒尼亚海》       1990年

从《自然博物馆》到《老式影剧院》系列，杉本博司一直追求的是将时间定格的表现。如果说在老式影剧院中还能看到其主观意志的流露的话，那么在《海景系列》中，随着画面的高度洗练乃至抽象化，作者的主观意志则完全消融在画面所表达出的无限时空之中，从而达到了“大象无形”的至高境界，这也是杉本博司的作品之所以能获得国际性评价的原因所在。